lunes, 30 de enero de 2012

PETER CALLESEN: ESCULTURAS DE PAPEL


Entrada realizada por la alumna LAURA CANELA ROLDÁN


Peter Callesen es un artista danés nacido en 1967. Sus obras se destacan por estar elaboradas, mayoritariamente en hojas formato A4 de 80 gramos  En colores blancos  para atraer la atención de los espectadores. Todas Cuidadosamente cortadas y dobladas, convierte  fácilmente una simple hoja de papel, en una figura en  tres dimensiones, algunas incluso a gran escala.  Cada obra es creada a partir de una hoja de papel, tiene gran variedad de obras: flores, colibríes o un castillo infantil, entre otros.

Piensa en la  posibilidad de dar tridimensionalidad a un plano, las figuras quedan atrapadas sin tener ninguna posibilidad de escapar. La mayoría de sus obras suelen ser de carácter trágico,

Utiliza este material porque dice que”ese formato de papel es habitualmente usado para la información y que raramente notamos su materialidad real”  

Peter Callesen Explicó:

"Encuentro las hojas A4 interesantes para trabajar porque son probablemente las más comunes y usadas por los medios para llevar información, y es en ese sentido algo realmente muy importante. Esto significa que raramente notamos la importancia del papel. Quitándole toda la información y comenzando desde cero en el papel blanco y vacío siento que encontré un material que todos son capaces de relacionar. Y al mismo tiempo, al no estar cargado, resulta más fácil llenar con diferentes significados. El delgado papel blanco también les da a las esculturas una fragilidad que subraya el tema trágico y romántico de las obras."


Veamos algunas de sus obras:









sábado, 28 de enero de 2012

JESUS CARABAJAL, ALUMNO DEL INSTITUTO BLANXART DE TERRASSA

Muchos somos los que en las reuniones o en las conferencias a las que asistimos decoramos los apuntes que tomamos con garabatos, líneas sin sentido y dibujos que van surgiendo al interrelacionarse los trazos que realizamos de forma inconsciente. A veces descubrimos dibujos propios de auténticos artistas con un gran potencial en el futuro si profundizan, a base de trabajo, en la técnica y en la búsqueda de nuevos soportes, formatos y procedimientos.

En esta entrada os presento a una de estas personas: un alumno de segundo de Bachillerato Artístico del Instituto Blanxart de Terrassa. En  futuras entradas, haré lo mismo con otros alumnos.  



















Dibujo realizado por Jesús Carabajal y Pau Soler

Dibujo realizado por Jesús Carabajal y Pau Soler 


jueves, 26 de enero de 2012

PORTRAITS DE ANDY WARHOL EN ZARAGOZA




Andrew Warhola, conocido como Andy Warhol, es la figura más destacada del movimiento de arte visual conocido como Pop Art. Nació el 6 de agosto de 1928 en Pittsburgh, hijo de padres eslovacos (Julia y Andrej Warhola) y falleció a los 59 años en Nueva York, el 22 de febrero de 1987, por unas complicaciones sufridas después de una operación de la vesícula biliar. 


Hoy se inaugura en Zaragoza la exposición “Andy Wharhol. Portraits”. Ha sido organizada por La Obra Social de Ibercaja en colaboración con The Andy Warhol Museum of Pittsburg, (Pensilvania, EE.UU.), museo inaugurado en 1994 y el más grande dedicado a un solo artista, Esta exposición, compuesta por 99 obras realizadas entre 1940 a 1980, es la primera vez que sale de su sede y de los EE.UU. Es más, “muchas de estas obras no habían abandonado nunca el Museo de Pittsburg por sus problemas de conservación y porque algunas obras no se entienden sin su contexto”, según declaraciones a Europa Press de Dolores Durán, comisaría adjunta de la exposición en España, 


La muestra comienza con los retratos de Warhol en su juventud, una serie de fotografías del artista, en los que aparece solo o con su familia, y que se reúnen bajo el epígrafe de 'infancia'. Entre ellas la primera que se conserva del artista: una foto de junto a su madre y su hermano, realizada en 1932. 

De la década de 1940 se muestran dibujos realizados durante su periodo de alumno en el Departamento de Pintura y Diseño del Carnegie Institute of Technology (actualmente Carnegie Mellon University).


En la década de 1950 Warhol se traslada a Nueva York, De esta época se exponen dibujos coloreados con tinta, acuarela o anilina, realizados a partir de la década de 1950, coincidiendo con la realización de trabajos como publicista como los que realizó para la cadena de zapaterías I. Millar.


Las obras realizadas en los años 60 son las más conocidas de Andy Warhol con retratos como el de Marilyn Monroe, Elisabeth Taylor y Greta Garbo. En esta época el artista también comenzó a crear a partir de fotografías de fotomatón que imitaban a los fotogramas de una película. 


En los años 70, Warhol cambió el fotomatón por la polaroid. El proceso de creación comenzaba con su máquina Polaroid, con la que disparaba numerosas fotografías del rostro del retratado, tras lo cual escogía una sobre la que trabajaba posteriormente. 

En los 80 trabajó con personajes relevantes de la sociedad de la época como Sylvester Stallone, Prince, Mao Tse Tung, Carolina Herrera, Tennesse Williams y Truman Capote, entre otros. 



La exposición se podrá visitar desde hoy hasta el próximo 22 de Abril


Sala de Exposiciones Ibercaja Patio de la Infanta

San Ignacio de Loyola, 16 - Teléfono: 976767845


Horario:
Lunes a Jueves 18 a 21h 
Viernes 18 a 23h 

Sábado 11 a 14h y 18 a 23h 
Domingo 11 a 14h 



Videos sobre la exposición: 





Aprovecho la ocasión para presentaros dos artísticos  retratos de Andy Warhol realizados en Madrid, en 1982, por el gran fotógrafo Alberto Schommer 




martes, 17 de enero de 2012

RON MUECK

En esta entrada os amplio los comentarios que han surgido esta mañana en clase de Historia del Arte a partir de una imagen de una obra pictórica hiperrealista que ha aparecido al buscar imágenes sobre el arte románico. A veces, el azar hace que descubramos, sin buscarlas, obras de arte impresionantes. 

Taller del artista

Ron Mueck (Melbourne, 1958) es un escultor hiperrealista australiano que vive en Inglaterra. Sus obras de arte hiperrealistas se encuentran repartidas en importantes museos de Europa, América y Australia.

Su origen profesional fue el mundo de los efectos especiales para el cine. Ron Mueck empezó con las marionetas y ahora revoluciona la mirada de la escultura moderna con su estilo hiperrealista. Desde finales de los años setenta hasta mediados de los ochenta Mueck se dedica a la producción de efectos especiales para televisión y cine, dentro de lo que cabe mencionar su participación en el programa The Muppet Show (Los Teleñecos) y Sesame Street (Barrio Sésamo).

En 1996 Mueck cambió hacia el “arte refinado” colaborando con su suegra Paula Rego, para producir pequeñas figuras como parte de una escena que ella estaba mostrando en la Galería Hayward. Rego le presentó a Charles Saatchi quien inmediatamente quedó sorprendido con su trabajo y le solicitó una serie de trabajos. Bajo el amparo de este  galerista,  formó parte de la exposición “Sensation”  que se realizó en la Royal Academy of London y que causó polémica y reacciones extremas entre los críticos y el público. La pieza que expuso en esa ocasión era “Dead Dad”, una escalofriante e hiperrealista obra de silicona y otros materiales que representa al cuerpo muerto de su padre, reducido aproximadamente a dos tercios del tamaño natural. Es la única obra de Mueck que usa su propio pelo para el producto final. Esta exposición incluyó también a otros “nuevos” artistas británicos como Damien Hirst y los hermanos Jake y Dinos Chapman, que llevan su quehacer a extremos definitivamente estremecedores.      

Dead Dad 1996-1997

Big Baby 1996
Colección privada

Big Baby 3 1996-1997.
Stefan T.Edlis Collection, Chicago




 El uso de nuevos materiales como  silicona, acrílico y fibra de vidrio realiza esculturas que reproducen fielmente los detalles del cuerpo humano, pero juega con la escala para crear imágenes que nos sacuden.


Ángel (1997), técnica mixta con alas realizadas con plumas de ganso. Escala  1/3. Colección Hoffman, Dallas 


Boy, 1998. Bienal de Venecia 2001
                              
Su obra de cinco metros “Boy”, fue mostrada en 1999 en el “Millenium Dome” y más tarde se exhibió en la “Biennale de Venecia”.


Madre e hijo, 2001

En la muestra que presentó en la National Gallery de Londres en el año 2003, Ron Mueck ha trabajado específicamente en el tema de la maternidad. Una de sus esculturas, realizada en la misma escala que Dead Dad, muestra el momento justo en que ha terminado. Otra representa a una colosal figura de 2,60 metros de una mujer embarazada.
 Mujer embarazada (2002). Fibra de vidrio, resina, silicona. 2,5 m. de altura. Galería Nacional de Australia.
Two women (2005)

 En la cama (2005-2006). Galería de Arte Moderno de Queensland..

A girl (2006). Técnica mixta: silicona, resina de poléster y fibra de vidrio. Galería Nacional de Canadá, Otawa.


Como colofón a su periplo por diferentes museos de Europa, América y Canadá, la exposición "Ron Mueck" se exhibe en el Modern Art Museum of Fort Worth, Texas, entre el 24 de junio y el 21 de octubre de 2007 y a partir de diciembre de 2007 en  el Museo Andy Warhol en Pittsburgh, Pennsylvania,

La Primera exposición de Ron Mueck en Japón abrió sus puertas el 26 de abril de 2009 en el 21st Century Museum of Contemporary Art de Kanazawa .
Una gran retrospectiva del trabajo de Mueck se celebró en su ciudad natal de Melbourne, Australia, en abril de 2010, en la Galería Nacional de Victoria.

En la actualidad, hasta el 5 de febrero de 2012, expone en el Antiguo Colegio de San Ildefonso de Ciudad de México.



La primera exposición de la obra de Mueck en España se organizó en el Centro de Arte Contemporáneo de Málaga en el año 2007. En esta exposición destacó la obra "A girl" realizada en el año 2006 y que representa a un bebé recién nacido de cerca de 5 metros.


Cómo construye sus figuras Ron Mueck







Resumen de una entrevista a Ron Mueck, realizada por Sarah Tanguy,  en torno al génesis y realización de su obra Big Man.


Sarah Tanguy: ¿Cómo y cuándo surgió la idea de jugar con las escalas en tus figuras?

Ron Mueck: Nunca hice figuras de tamaño natural porque nunca me ha parecido interesante. Todos los días vemos gente a tamaño natural.

ST: Con Big Man, ¿sabías de antemano que ibas a trabajar en una escala gigantesca?

RM: Él no comenzó siendo grande, sino surgió de otra pieza que yo había esculpido, una pequeña figura de un hombre envuelto en mantas, para la que no utilicé ninguna referencia, ni tampoco ningún modelo, sino que salió totalmente de mi imaginación.

Yo nunca trabajo con modelos vivos. Yo utilizo fotografías o referencias que veo en los libros, tomo mis propias fotografías o miro en mi interior. Sin embargo, yo intenté encontrar un modelo real, parecido a aquel pequeño individuo envuelto en mantas. Localicé a uno que era físicamente similar, y trabajé en mi estudio con él durante tres horas, hasta que me di cuenta que él no me iba a ayudar a salir adelante con mi proyecto.

Sus miembros no eran lo bastante flexibles. Su vientre tenía su propia forma. Aquel hombre no podía adoptar la postura de mi pequeña escultura... Así que le pedí que se sentara en una esquina mientras yo pensaba todo esto. Él entonces me sugirió algunas poses y tomó alguna de esas posturas ridículas que suelen realizar los modelos. Eran falsas y artificiales, y me di cuenta de que todo aquello no me servía para nada.

Yo trataba de reunir todo mi valor para decirle que se marchara. Lo miré, allí sentado en la esquina, tratando de decidirme. Él no estaba tan enfadado como lo parece estar Big Man, pero tenía esa misma posición. Y pensé en ese momento, “¡Qué buena idea!”, y así nació la pose de Big Man.

Primero hice un boceto en arcilla de él en esa posición, aproximadamente de un pie de alto. En ese momento pensaba que ese podría ser el tamaño final de la escultura.Tomé algunas fotografías de lo que hacía, como hago a menudo, porque considero que si fotografío mi trabajo, puedo verlo de una manera diferente. Es como cuando te miras en un espejo, y te das cuenta de todas las imperfecciones y asimetrías, que no puedes ver de otra manera, porque las has mirado durante demasiado tiempo. Luego, mientras miraba esas fotografías, y en una de ellas, dibujé una pequeña figura que parecía mirar el boceto de arcilla... Con el dibujito al lado, a él se le veía muy grande. Y pensé, “bien, puedo intentar hacerlo a ese tamaño”. Una vez decidida la escala, tomé mas fotografías. Después dibujé todo en papel marrón a tamaño de siete u ocho pies. Y una vez lo terminé, decidí que lo haría así. A partir de ese enorme boceto monté la armadura con alambre y lo cubrí todo con yeso.

ST: ¿Es el yeso el que le da esa tonalidad amarillenta?

RM: Yo utilizo un yeso dental más duro que ‘el yeso de París’, que tiene esa pigmentación amarilla, aunque luego lo pinto todo.


Para saber más sobre Ron Mueck puedes visitar:

 * James Cohen Gallery (muy interesante para conocer su biografía y obra)
 * La Galería de imágenes del Whasington Post
 * Fotografías de obras de Ron Mueck
 * Wikipedia en inglés



domingo, 15 de enero de 2012

RE3

En anteriores entradas os presentamos los denominamos "RE1" y “RE2”. En esta ocasión os mostramos el denominado “RE3”. 

Recuerda que denominamos "RE" a los objetos encontrados en la calle que son REcogidos  para serREciclados  y REutilizados, después de un proceso de REstauración. En esta ocasión hay que añadir que en esta ocasión la silla fue intencionadamente Reventada.