lunes, 17 de diciembre de 2012

LAS ILUSTRACIONES DE NORMAN ROCKWELL


Sin duda, seguro que habéis visto más de alguna vez obras de este fantástico ilustrador norteamericano. Aprovecho algunas de ellas para desearos a todos, alumnos y seguidores del blog, una 
Feliz Navidad. 



 




Norman Percevel Rockwell nació el 3 de febrero de 1894 en Nueva York.



Alrededor de 1908 descubre que su verdadera vocación es la ilustración y asiste a las clases de arte de la Chase School en Manhattan y de la National Academy School, En 1910, Rockwell se trasladó a la Art Students League, donde aprendió anatomía e ilustración con maestros como George Bridgman o Thomas Fogarty. 


Trabajó como ilustrador en el Saturday Evening Post, una revista de actualidad y sociedad, Su primera portada data de 1916. Trabajó para esta revista hasta 1963. Sus portadas, anuncios, ilustraciones y demás publicidad han sido repetidas e imitadas hasta la saciedad. Trabajó en campañas publicitarias para McDonald's, Coca-Cola y diferentes marcas comerciales de cereales, chicles, neumáticos… 

Rockwell en su autobiografía " My Adventures as an Illustrator " reconocía la influencia del gran ilustrador JosephChristian Leyendecker

En 1963 Norman Rockwell puso fin a su larga relación con The Saturday Evening Post y comenzó a trabajar con su competidor, LOOK . Se acercó a Allen Hurlburt, el director de arte en LOOK, con una idea para una pintura de"... el niño negro y los alguaciles". Hurlburt le mencionó que necesitaba el cuadro del 10 de noviembre para poder ser publicado en Enero de 1964. Se trata de "El problema con el que todos vivimos".

Desde mediados de los 60 y principios de los 70, Rockwell recuperó su punto mordaz y crítico con la sociedad. Los cambios políticos que entonces sufrió la sociedad norteamericana, entre ellos los de la integración de los negros, la lacra del racismo y la investidura del presidente Kennedy, fueron tomados e interpretados por Rockwell. Abogó por la multiculturalidad, la integración, la defensa del débil, la defensa de los derechos humanos, su religiosidad y su respeto a todas las razas.
Falleció el 8 de noviembre de 1978 en Stockbridge 


No puedo dejar de comentar en esta entrada una de las obras más significativas de Norman Rockwell, la anteriormente citada  "El problema con el que todos vivimos".



Norman Rockwell, "El problema con el que todos vivimos" de 1963. Óleo sobre lienzo. 91,4 x 147,3 cm. 
Ilustración para "Look" 14 de enero de 1964. Norman Rockwell Museum Collections.




Cuando Rockwell realizó esta obra no sabía que el nombre de la niña era Ruby Bridges, la prensa no había publicado su nombre debido a la preocupación por su seguridad. Utilizó diferentes modelos a las que en las largas sesiones colocaba unos tablones para que apoyaran los pies y así conseguir la sensación de marcha. Rockwell era muy cuidadoso con los modelos de sus obra. Se conservan interesantes fotografías de este proceso creativo.

Esta pintura fue realizada en óleo sobre lienzo, al igual que todas las otras obras de Norman Rockwell. 

La figura principal, la niña, se dispone ligeramente a la izquierda, quedando compensada con una gran mancha roja a la derecha. Rockwell se tomó la licencia artística de representar a la niña con un vestido, cintas para el cabello, zapatos y calcetines de color blanco, para captar la atención del espectador. En realidad Ruby Bridges llevaba un vestido a cuadros y zapatos negros. 

En el resto de la obra utiliza un colorido neutral: la acera de color gris, la pared de hormigón con manchas, los trajes grises y sienas de los federales. Destaca el  color rojo de la mancha que ha dejado un tomate al estrellarse en la pared y el color amarillo de los brazaletes amarillos de los agentes federales. 

Rockwell deja a los federales en el anonimato al quedar sus cabezas fuera del cuadro. Se trata de la justicia impersonal, meros cumplidores de una orden que aparece visible en el bolsillo del agente de la izquierda. También queda fuera del cuadro la muchedumbre que intentaba impedir el acceso de la niña a la escuela. La tensión del momento sólo se observa en el puño cerrado de uno de los federales. La escena supera los límites de la obra.

En la pared aparecen dos graffitis: el insulto racial, "nigger", y la sigla amenazante "KKK". Elementos que centran el tema fundamental de la obra: el racismo y la segregación racial. 


Ruby Bridges fue la primera niña afroamericana que asistió a una escuela de primaría, la William J. Frantz Elementary School, que hasta ese momento sólo era para "blancos". Pero para poder hacerlo tuvo que ser protegida por agentes federales. Ocurrió el 14 de noviembre de 1960.


La Corte Suprema de Justicia de Estados Unidos había declarado la segregación ilegal desde 1954, pero todavía había una fuerte oposición de parte de los gobiernos y ciertas comunidades en los estados sureños. Para acceder a las escuelas de blancos, los niños negros debían demostrar que tenían el suficiente nivel académico. Así, los sometían a un test de cuyo resultado dependía que tuvieran o no la oportunidad de asistir a esas escuelas. Sus padres eran miembros de la Asociación Nacional para el Progreso de las Personas de Color y aceptaron participar en el sistema de integración racial de Nueva Orleans. Ruby fue una de los seis niños que resultaron aptos y la única que se decidió a asistir a la escuela. Para las familias no era una decisión cualquiera, aunque las leyes aprobaran la integración, la sociedad, estaba muy en contra de la medida. No era una decisión fácil ni libre de consecuencias. Bridges asistió a clases durante todo un año sola, porque los padres de los otros niños no querían que estuvieran cerca de ella debido al color de su piel. 


Cinco décadas más tarde, el 19 de diciembre de 2010, comentaba a la BBC sus recuerdos:

Recuerdo que ese día todo el mundo parecía estar muy emocionado. Los vecinos vinieron a casa por la mañana para ayudarme a vestir para ir a la escuela. Alguien golpeó en la puerta y cuando mis padres abrieron pude ver unos hombres blancos muy altos con trajes, con bandas amarillas en los brazos. “Somos policías federales. Nos ha enviado el presidente de Estados Unidos”. Estaban ahí para escoltarme a la escuela. Entré al coche con ellos. No sentí miedo. Llegamos a la escuela y había muchas personas enfrente y agentes de policía a caballo y en motocicletas. Todo parecía como un gran evento. Viviendo en Nueva Orleans, pensé que se trataba de las fiestas de Mardi Gras (una gran fiesta de Carnaval en la que participa toda la ciudad y a la que acude gente de todas partes). Jamás imaginé que todo eso era por mí, que habían organizado una manifestación para impedir que yo acudiese a la escuela. Portaban pancartas, coreaban consignas: “Two, four, six, eight, we don’t want to integrate”. Los policías federales me  metieron rápidamente en el edificio hasta la oficina del rector. Vi como gente  entraba apresurada y me miraban por la ventana, gritando. Fueron a todas las aulas para sacar a sus hijos. Se los llevaron a casa y nunca les dejaron regresar. Siempre hubo gritos y más gritos. Unos aparecían sosteniendo una pequeña caja, que era un ataúd de bebé en el cual habían colocado una muñeca negra. 



Cuando regresé el segundo día, la escuela estaba vacía. El rector me esperaba en el descanso de la escalera y me indicó dónde quedaba mi clase. Cuando entré vi una mujer que dijo: “Hola, soy tu maestra. Mi nombre es Sra. Henry”. Lo primero que pensé fue: “¡Es blanca!”, porque nunca había tenido una profesora blanca y no sabía qué esperar. Resultó ser la mejor maestra que jamás tuve y amé la escuela por ella. Era una mujer que había llegado desde Boston para enseñarme porque los profesores de la ciudad rehusaban darle clase a niños negros. Fue como una segunda madre para mí y nos convertimos en las mejores amigas. No falté un solo día ese año. Afuera la gente gritaba diciendo “la vamos a ahorcar, la vamos a envenenar”. Recuerdo sentir mucho miedo esos días. Pero estaba confusa, no entendía por qué lo hacían. 

Mis padres también sintieron la presión. Mi papá fue despedido de su trabajo en una gasolinera cuando su jefe se enteró que era su hija la que asistía a la escuela y los clientes se empezaron a quejar. 

Meses más tarde caí en cuenta de lo que pasaba cuando me topé con otro niño en la escuela que me dijo: "Mi mamá me dijo que no puedo jugar contigo porque eres una negra". Con eso entendí todo. Era por el color de mi piel. Me sentía muy sola. Creo que eso fue lo peor, tener seis años y ningún amigo. Muchas veces me preguntaba “¿Por qué yo?”, pero a medida que crecí me empecé a dar cuenta del significado de “¿por qué no yo?”. Ahora me siento feliz de lo que sucedió. Me siento orgullosa de que mis padres aceptaron que fuera a esa escuela. 

El 8 de enero de 2001, Euby Bridges fue premiada por el entonces presidente de Estados Unidos Bill Clinton.


La historia protagonizada por Ruby Bridges no fue un hecho aislado en aquellos años en la lucha contra la segregación racial en Estados Unidos. 

Cinco años antes, en 1955, Rosa Parks, un humilde modista negra, regresaba de su trabajo en autobús, en la ciudad de Montgomery, cuando un pasajero blanco, primero, y el conductor, después, le pidieron que se levantara de su asiento para que se sentara en él un viajero blanco que acababa de subir. Así lo dictaban las leyes de Alabama a mediados del siglo XX, pero ella se negó. El conductor llamó a la policía y la mujer fue detenida y obligada a pagar una multa de catorce dólares. 

El hecho puso de manifiesto una vez más las condiciones de segregación a que estaban sometidas las gentes de color, que tenían prohibido el acceso a piscinas, escuelas, restaurantes y un gran número de servicios públicos exclusivos para los blancos. 


El incidente del autobús tuvo como primer efecto la creación de la Montgomery Improvement Association, cuya finalidad era la defensa de los derechos civiles de la minoría negra. Martin Luther King fue su presidente. La asociación organizó un boicot a los autobuses de Montgomery que tuvo un seguimiento masivo y fue un rotundo éxito: duró 382 días y contribuyó a que la causa de los afroamericanos de Montgomery fuese conocida en todo mundo. Como consecuencia de ello, el gobierno norteamericano se vio obligado a abolir la segregación en los transportes públicos. 

lunes, 10 de diciembre de 2012

FRANÇOISE NEILLY

Paseando  por la Avenida de la Catedral de Barcelona en una fugaz visita a la Feria de Santa Lucía que este año conmemora su 226 aniversario (1786-2012), me sorprendió una obra de gran formato de la artista francesa Françoise Nielly que se expone en el escaparate de la Villa del Arte Galleries de Barcelona.


La pintura de Françoise Nielly es muy expresiva,  transmitiendo una gran fuerza y  una enorme energía vital. Se trata, generalmente, de retratos de gran formato, realizados con un colorido libre, brillante, limpio e intenso. Su técnica se basa en la aplicación de óleo con espátulas.

Detalle (técnica)

Detalle (técnica)



Nº 627 120x120

Nº 641 140x140 cm


Françoise Nielly ha heredado el sentido del espacio de su padre, arquitecto. Creció  en el sur de Francia,  entre Cannes y Saint-Tropez, adquiriendo el gusto por la luz, el sentido del color y la atmósfera mediterránea.  Estudió Bellas Artes y Artes Decorativas. A lo largo de su vida ha explorado diferentes medios de expresión como fotografía, pintura, ilustración, animación e imágenes virtuales, aunque en estos momentos se dedica principalmente a la pintura.  Vive y pinta en su estudio en París, cerca de Montmartre.  Los precios de sus obras oscilan entre los 6.000 € y los 25.000 €.

Podemos consultar la página web oficial de Françoise Nielly (clicar sobre la imagen)



 
Clicar sobre la imagen para ver un interesante video sobre Françoise Neilly












sábado, 8 de diciembre de 2012

Elizabeth Price, Premio Turner 2012




Los premios Turner reconocen cada año el trabajo expuesto en los 12 últimos meses por artistas de cualquier nacionalidad menores de 50 años que residan o realicen su trabajo en el Reino Unido. Desde su creación los Turner se han identificado con la polémica, aunque  en los últimos años la capacidad de escandalizar ha ido disminuyendo, seguramente porque el público se ha ido acostumbrando. Entre sus ganadores destacan Gilbert & George  (1986), Anish Kapoor (1991), Antony Gormley (1994), Damien Hirst (1995) y Chris Ofili (1998), que vieron como el galardón les consagró en el mundo del arte.

La artista británica Elizabeth Price ha sido galardonada con el premio Turner de arte contemporáneo 2012, galardón más importante de Reino Unido, dotado con 25.000 libras (31.000 euros). El pasado lunes, 3 de Diciembre, el actor Jude Law entregó, en el museo Tate Britain de Londres, este codiciado premio. En su presentación, el actor destacó la importancia de los premios y acusó al Gobierno británico de "vandalismo cultural" por haber retirado asignaturas artísticas de los programas educativos.

Elizabeth Price, que fue miembro de grupos de música "indiepop" como Talulah Gosh y The Carousel, se ha impuesto a artistas como Spartacus Chetwynd, que participaba con una "performance" que consiste en la actuación de varias personas con disfraces y decorados hechos por ella misma y que pretendía abordar temas como la democracia; Luke Fowler, que competía con una película de 93 minutos que explora la vida y el trabajo del psiquiatra escocés R.D. Lain con su multiplicidad de personalidades; y, por útlimo, Paul Nobles, favorito de las casas de apuestas, que competía con unos gigantescos y escatológicos dibujos de una población ficticia, "Nobson Newtown". La exposición del trabajo de los cuatro candidatos y la ceremonia del premio se ha realizado en Londres después de que por primera vez en su historia viajara en 2011 hasta la ciudad de Gateshead (noreste de Inglaterra).

 




Performance de Spartacus Chetwynd
 





"Nobson Newtown" de Paul Nobles

El jurado ha premiado el vídeo The Woolworths Choir of 1979 de Elizabeth Price. Se trata de un vídeo de 20 minutos sobre un incendio de unos grandes almacenes de Manchester en 1979 en el que murieron 10 personas. Esta obra,  calificada como "muy poética" y "sumamente sofisticada tecnológicamente", empieza con las imágenes de una iglesia gótica continua con una banda de chicas de los años 60 para concluir con el incendio en el que incluye los testimonios de algunos de los testigos.





El crítico de arte de THE GUARDIAN Adrián Searle comenta las obras de los candidatos preseleccionados del Premio Turner de Arte Contemporáneo.



Extracto del vídeo El Coro de Woolworths de 1979 de Elizabeth Price, ganadora del Premio 


Artistas galardonados con el Premio Turner:



1984
Malcolm Morley (Farewell to Crete)
1985
Howard Hodgkin (A Small Thing But My Own)
1986
Gilbert y George (Coming)
1987
Richard Deacon (To My Face No.1)
1988
Tony Cragg (George and the Dragon)
1989
Richard Long (White Water Line)
1990
Premio suspendido.
1991
Anish Kapoor (Untitled (Sandstone and pigment))
1992
Grenville Davey (HAL)
1993
Rachel Whiteread (House Commissioned by Artangel Trust and Beck's)
1994
Antony Gormley (Testing a World View)
1995
Damien Hirst (Mother and Child, Divided)
1996
Douglas Gordon (Confessions of a Justified Sinner)
1997
Gillian Wearing (single channel vídeo artwork in colour with sound)
1998
Chris Ofili (No Woman, No Cry)
1999
Steve McQueen (Deadpan)
2000
Wolfgang Tillmans (installation view from the Turner Prize exhibition 2000)
2001
Martin Creed (The Lights Going On and Off)
2002
Keith Tyson (installation view from the Turner prize exhibition)
2003
Grayson Perry (vases)
2004
Jeremy Deller (Memory Bucket, documentary)
2005
Simon Starling (Shedboatshed)
2006
Tomma Abts (abstract paintings)
2007
Sak V Kahn
2008
Mark Leckey
2009
Richard Wright
2010
Susan Philipsz
2011
Martin Boyce
2012
Elizabeth Price



Este premio fue creado en 1984 y en 1993 fue ganado por primera vez por una mujer, Rachel Whiteread. A ésta le seguirían Gillian Wearing en 1997 y Susan Philipsz en 2010. Elisabeth Price, de 45 años, se ha convertido en la cuarta mujer en ganar este galardón.

miércoles, 21 de noviembre de 2012

¿EL PARTENÓN DE ATENAS O EL PANTEÓN DE ROMA, QUÉ TEMPLO ES MÁS GRANDE?


Ayer en clase, comprobamos que al comparar fotografías del Partenón y del Panteón, no nos hacemos idea de su tamaño real. A la mayoría de vosotros os parecía más grande el primero y hasta alguno pensó que sería así porque, al fin y al cabo, el Panteón es un templo circular.

En esta entrada hago referencia a sus dimensiones y, en base a ellas, una comparación de sus alzados y plantas.


Dimensiones aproximadas del PARTENÓN: 

Templo rectangular de 69,5 metros de largo por 30,88 de ancho. Tenía una altura de 18 metros. Las columnas alcanzan los 10,4 metros de altura.


Dimensiones del PANTEÓN:

El pórtico rectangular de la fachada principal tiene 8 columnas de 12 metros de altura, que le confieren el aspecto de un templo  octástilo. Detrás de ellas, se disponen  otras 8 columnas (cuatro  a cada lado del eje central). Este pórtico tiene unas dimensiones de 34,20 metros por 15,62 metros. Se accede al pórtico subiendo cinco escalones (recordad la importancia de este número en este edificio) con una altura total de 1,32 metros sobre el nivel de la plaza.

La cella circular presenta 43,20 metros de diámetro y de altura.


Comparación de ambos edificios:

Comparación de los alzados

Comparación de las plantas





martes, 13 de noviembre de 2012

LA ABSTRACCIÓN EN ESPAÑA Y EL MUSEO DE ARTE ABSTRACTO ESPAÑOL DE CUENCA

El pasado 3 de noviembre visite el Museo de Arte Abstracto de Cuenca. Fue una visita muy agradable y un reencuentro con el cuadro de Antonio Saura "Brigitte Bardot"- Esta obra fue una de las que tuve que comentar en las Oposiciones que me permitieron dedicarme a aquello que aspiraba desde que tenía diez años cuando entre por primera vez en el entonces Instituto Nacional de Enseñanzas Medias  Goya de Zaragoza: profesor de Instituto. La visita me permitió recordar las diferentes abstracciones que se desarrollaron en España a partir de mediados del siglo XX y que conocí por primera vez en las clases del siempre admirado profesor Federico Torralba Soriano. Como comprenderéis no he podido resistirme a publicar una  entrada dedicada al Arte Abstracto en España.




"Brigitte Bardot", de Antonio Saura (1930-1998), 1959. Óleo sobre lienzo. 250 x 200 cms.     
Museo de Arte Abstracto Español. Cuenca.




La abstracción en España desde finales de la década de los años 40 hasta la creación del Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca.


Debido a la situación política de España el arte abstracto tuvo un desarrollo tardío. A finales de la década de los años 50 hacer arte abstracto en España  corriente respecto al arte oficial. Por ello, muchos de los artistas más representativos del arte abstracto español de este momento residirán en el extranjero donde pudieron  desarrollar su obra en libertad.

Casi todos estos artistas, en alguno momento de su carrera artística, pertenecieron a algún grupo artístico.  A continuación os comento de forma abreviada la historia de los más importantes.

El  grupo zaragozano "Pórtico" representa un concepto emblemático por sus características de ruptura, al ser el primer grupo sólido aragonés que desemboca en la abstracción. Su trayectoria se inicia en abril de 1947 y concluye en noviembre de 1950. En junio el Grupo Pórtico expone en la Galería Buchholz de Madrid bajo el título 20 obras del del «Grupo Pórtico» de Zaragoza, en la que exponen solo los tres miembros permanentes del grupo: Fermín Aguayo con once obras, Santiago Lagunas con nueve y Eloy Laguardia con ocho óleos. En este año el grupo ha dado el paso definitivo hacia el informalismo, lo que les caracterizará como la primera vanguardia pictórica de la posguerra española en recorrer el camino hacia la abstracción a partir del influjo de Paul Klee y no del surrealismo. Estos tres artistas que comienzan la abstracción terminan tristemente dispersados. Laguardia a San Sebastián para trabajar, Lagunas en Zaragoza para abandonar la pintura durante excesivo tiempo pero ejerciendo como arquitecto y Aguayo a París desde 1952 para ser, lo de siempre, un pintor. Hay que tener en cuenta a artistas como Vera y Antón González, cercanos a ellos, y que por entonces también se adentraron en la no figuración.

El grupo barcelonés Dau al Set (1948 – 1953) fue creado por el poeta Joan Brossa y el pintor Joan Ponç, a los que se unen Arnau Puig, Tàpies, Tharrats, Cuixart y el escritor Juan Eduardo Cirlot. Se propusieron enlazar con el surrealismo que había quedado interrumpido con la guerra civil y para todos ellos, la figura que servía de ejemplo era Joan Miró. El grupo desempeñó un papel de gran importancia en la entrada de la vanguardia y prepararon el camino al informalismo en España. Antoni Tàpies y Modest Cuixart, que colaboraron en su fundación, partiendo de la ensoñación y el automatismo surrealista llegaron a la abstracción matérica.




GRAN BARROCO, 1959
Modest Cuixart

Marrón y ocre, 1959
Antoni Tàpies



Grande  Équerre (La gran equis) 1962
Antoni Tàpies



 Creu i ratlla, 1974
Antoni Tàpies




El Grupo Altamira se fundó en la localidad santanderina de Santillana del Mar. El movimiento surge en 1948 en torno a la figura del artista alemán Mathias Goeritz acompañado por Pablo Beltrán de Heredia, Ángel Ferrant, Ricardo Gullón y el crítico Santos Torruella. La Primera Semana de Arte de la Escuela de Altamira se celebró en 1949 y en ella artistas de diferentes nacionalidades, historiadores y críticos de arte abordaron temas como el significado del arte contemporáneo y los orígenes del arte no figurativo y reivindicaron las pinturas rupestres paleolíticas como la máxima expresión del arte por su pureza creativa y su tratamiento de la línea y del color. La Segunda Semana, celebrada a comienzos de 1951, contó con la participación de poetas y músicos que contribuyeron a analizar el componente social del arte y a constatar la necesidad de una conexión entre literatura y arte de vanguardia por oposición a la concepción artística vigente en el ámbito académico y apoyada por el Estado. A pesar de su corta existencia, la Escuela de Altamira supuso el movimiento más importante de renovación y coordinación del arte español tras la Guerra Civil.

El grupo LADAC (Los Arqueros del Arte Contemporáneo) siguió la línea iniciada por el grupo Altamira. Su principal impulsor fue Manuel Millares. El estilo pictórico de este pintor canario mostraba diversas tentativas de tipo constructivista y pinturas con influencia aborigen

La formación del Grupo Sílex puso en primera plana la inquietud de los artistas ante el panorama español de esos momentos. Intentan enlazar con los movimientos artísticos que se producen en el exterior. En su caso concreto las claves de la renovación plástica quedan vinculadas al Primitivismo del Arte de la Prehistoria, aspecto que ya adelantaba la Escuela de Altamira. El grupo comenzó a funcionar en 1955 con la participación de Josep Guinovart, Lluís Terricabras, Joan Hernández Pijuán, Carles Planell, Rovira Brull y Alcoi. Organizaron algunas exposiciones conjuntas a pesar de no tener un programa definido. Fue más una actitud común que un conjunto ordenado de reglas, como ocurrió con tantos grupos españoles del momento.

El grupo madrileño El Paso (1957-1960) se fundó en febrero de 1957 en Madrid, siendo el grupo de mayor relevancia en la configuración y definición de la vanguardia española de posguerra. Los integrantes de El Paso, en el momento de la firma del manifiesto y en sus primeras exposiciones como grupo, fueron los pintores Rafael Canogar, Luis Feito, Juana Francés, Manolo Millares, Manuel Rivera, Antonio Suárez, Antonio Saura y el escultor Pablo Serrano. Junto a estos artistas formaron parte del grupo los críticos de arte José Ayllón y Manolo Conde. En el año 1958 se incorporan los artistas Martín Chirino y Manuel Viola. Desde diferenciadas posturas personales, configuraron un lenguaje abstracto, informalista y liberador muy característico de la pintura comprometida en los años cincuenta y sesenta.



Sudario XII, 1959
Antonio Saura



Retrato imaginario de Felipe II, 1967
Antonio Saura



Cocktail Party, 1960
Antonio Saura

CUADRO BLANCO Y NEGRO, 1960
Manuel Viola




CUADRO NÚMERO 2, 1957
Manuel MIllares
CUADRO NÚMERO 102 HOMÚNCULO, 1960
Manuel MIllares


CUADRO NÚMERO 165 HOMÚNCULO, 1961
Manuel MIllares

SARCÓFAGO PARA FELIPE II, 1963
Manuel MIllares



NÚMERO 202, 1960
Luis Feito

1963 NÚMERO 460 A, 1963
Luis Feito

TOLEDO, 1960
Rafael Canogar

BÓVEDA PARA EL HOMBRE, 1962
Pablo Serrano



EL VIENTO, 1966
Martín Chirino




METAMORFOSIS (NOVIEMBRE), 1862
Manuel Rivera

DETALLE DE METAMORFOSIS (NOVIEMBRE),
Manuel Rivera


 ESPEJO DE SOL, 1966
Manuel Rivera





El Grupo Parpalló fue un grupo de artistas formado en Valencia y alrededores de la comunidad en Octubre de 1956. Se fundó para, al igual que otros grupos de postguerra, para conectar la creación artística valenciana con el panorama internacional después de la interrupción causa por la Guerra civil Española. Se disolvió oficialmente en 1961. Fue el primer foco de introducción del informalismo en la Comunidad Valenciana y pronto consiguió una formulación rigurosa dentro de esta tendencia artística, si bien entre 1960 y 1961 el grupo perdió su conexión como resultado de las diferentes trayectorias artísticas de los miembros entre los que cabe señalar: Vicente Aguilera Cerní, crítico de arte y el único que fue miembro desde la fundación del grupo hasta su disolución, Salvador Soria, Manolo Gil, Monjalés, Eusebio Sempere, Amadeo Gabino, Balaguer, y Andreu Alfaro.


LATIDO, 1974
Eusebio Sempere


COLUMNAS 1974
Eusebio Sampere


Será en la década de 1950 cuando se geste un verdadero movimiento creativo de gran importancia internacional que derivaría en la denominada Escuela Vasca de Escultura. Este movimiento, al que podemos llamar generación, se caracteriza por desarrollar una línea claramente abstracta y está integrada por un grupo de escultores con una misma sensibilidad y que, pese a sus diferencias, tienen unas características en común: predominio del lenguaje abstracto, gusto por lo monumental, estrecha relación con la naturaleza y el ser humano, y utilización de materiales como la madera, la piedra o el hierro. Otra característica es la recuperación de las estéticas geométricas europeas.

Este grupo de escultores no fue ajeno a las influencias de las diferentes corrientes artísticas que se han desarrollado a lo largo del siglo XX, y en su original lenguaje realizó una síntesis de los distintos movimientos de vanguardia (constructivismo, abstracción...), aportando una interpretación personal.

Forman parte de ella destacados artistas de la talla de Néstor Basterretxea (1924), José Alberdi (1922), Ricardo Ugarte (1942), Agustín Ibarrola (1930), Remigio Mendiburu (1931-1984), V. Larrea (1934). Pero los dos máximos representantes de este movimiento y los dos escultores que más han influido en sus contemporáneos han sido Jorge Oteiza y Eduardo Chillida.



ESCULTURA NEGRA, 1958
Jorge Oteiza


ABESTI GOGORA IV 1959_1964
Eduardo Chillida








Creación del Museo de Arte Abstracto Español 

Algunos artistas de todos estos grupos se reunirán alrededor del pintor Fernando Zóbel y de los pintores Gustavo Torner y Gerardo Rueda en la creación del Museo de Arte Abstracto Español. Fernando Zóbel, que había nacido en Manila (Filipinas), estudió Filosofía y Letras en la Universidad de Harvard y, por sus viajes por Estados Unidos, Francia e Italia, conocía perfectamente tanto el expresionismo abstracto americano como el informalismo europeo. Desde 1955 comenzó a viajar por España y se interesó por el trabajo de los artistas que se iniciaban en la abstracción. En 1961 se instaló definitivamente en España e inició su colección de arte abstracto español. Comenzó a buscar la ubicación adecuada para un museo de arte abstracto, y en junio de 1963 su amigo, el artista conquense Gustavo Torner le sugirió el emplazamiento de las Casas Colgadas de Cuenca construidas a finales del siglo XV, propiedad del Ayuntamiento de Cuenca, que las alquiló por un importe simbólico.


JARDÍN SECO, 1969
Fernando Zóbel

Contaron con la colaboración del artista Gerardo Rueda, que pasó a ser conservador de la entidad, copresidida por Zóbel y Torner. El Museo abrió sus puertas al público el 1 de julio de 1966 con una docena de esculturas y un centenar de cuadros que Fernando Zóbel había ido reuniendo con anterioridad, con la intención de realizar una rotación con los fondos del propio Museo. «La selección se ha realizado muchas veces —declaraba su creador— con el consejo y la ayuda del autor; y para evitar el peso de falsos compromisos, el Museo se ha opuesto siempre a recibir regalo de obras».

 MARRÓN GRISÁCEO CHATARRA OXIDADA 1961_1962
Gustavo Torner

SIN TÍTULO, 1967
Gerardo Rueda







En 1978 fue objeto de restauración y ampliación, encargada a los arquitectos Fernando Barja –autor también del proyecto de ampliación del propio museo- y Francisco León Meler. El Museo se reinauguró el 28 de noviembre de este año. En 1980, la Fundación Juan March se hizo cargo de los fondos y su gestión, por donación de Fernando Zóbel, quien también donó más de 3.500 libros especializados. La Fundación Juan March, ha continuado ampliando los fondos.  Desde 1994 tras haber sido objeto de varias ampliaciones y mejoras, el Museo cuenta con una nueva sala para muestras temporales.

El Museo de Arte Abstracto Español, de Cuenca, ha sido galardonado con la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes (1980), el Premio del Consejo de Europa al Museo Europeo del Año (1981), la Medalla de Oro de Castilla-La Mancha (1991) y el Premio “Turismo 1997” de Castilla-La Mancha.

La colección permanente del museo abstracto español se compone de un centenar de pinturas y esculturas abstractas de artistas españoles sobre todo de la época de los 50 y 60.  

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Otros artistas representados en el Museo


Pintura número 100, 1962
César Manrique
Detalle






 NÚMERO 183, 1962
Francisco Farreras


Collage Rojo, 1966
Francisco Farreras





 CAUDAL, 1964
Joaquín Rubio Camín


 Mesa y cama de Carlos IV, 1986
Joaquín Camín




INTERVALOS, 1971
José Guerrero



 ESTRUCTURA VERDE Y NEGRA, 1961
Lucio Muñoz

 SITIAL, 1965
Lucio Muñoz





 1962 MATERNIDAD, 1962
Manuel Hernández Mompó




OMPHALO V, 1965-1966
Pablo Palazuelo



Todas las obras que ilustran esta entrada se encuentran en el Museode Arte Abstracto Español de Cuenca. Os recomiendo la visita a la Web del Museo