miércoles, 22 de febrero de 2017

Se cumplen 30 años de la muerte de Andy Warhol


 
Última foto que le hicieron a Andy Warhol, realizada por David LaChapelle en Noviembre de 1986


El 22 de Febrero de 1987 fallecía Andy Warhol, a la edad de 58 años. Su inesperada muerte en el New Cork  Hospital  causó una gran  conmoción ya que, tal y como se dijo en el momento del deceso, había ingresado en el hospital hacía tres días para ser operado de la vesícula biliar. La muerte se habría producido durante la operación a causa de un paro cardiopulmonar. En la actualidad, algunos cirujanos cuestionan esta versión y establecen que la operación era muy complicada por el estado físico de Andy Warhol. Posiblemente, el deterioro era debido al abandono físico al que había llegado a causa del terror que tenía a los hospitales a causa de una infancia en la que tuvo que asistir a frecuentes visitas médicas.

Su última exposición, celebrada en diciembre de 1986 en el barrio neoyorquino de Chelsea, se titulaba Oxidation paintings -también conocidas como ‘piss paintings’- y estaba formada por una serie de pinturas en las que Warhol trabajaba desde 1978. En estas obras utilizó barniz acrílico y polvo metálico, invitando a sus amigos a orinar sobre ellas. El ácido úrico provocó la oxidación de la pintura metálica, generando formas abstractas de diferentes tonos, cobrizos, negros, verdes, azules … Estas obras abstractas presentan la influencia del expresionismo abstracto de los años cincuenta, principalmente de Jackson Pollock.  Resulta curioso que las últimas obras de uno de los máximos representantes del Pop Art estén relacionadas, a nivel conceptual y estético, con el expresionismo abstracto, estilo  que dominó la pintura norteamericana desde inicios de la década de los 40 hasta que a principios de la década de los 60 entró en un agotamiento y cansancio que favoreció el éxito del Pop Art.

Oxidation Painting 1978

Oxidation Painting 1978


Estas obras de Andy Warhol, desconocidas por el gran publico, van a sorprender a más de uno.






ENTRADAS DEL BLOG DEDICADAS A ANDY WARHOL

PORTRAITS DE ANDY WARHOL EN ZARAGOZA


50 ANIVERSARIODE LATAS DE SOPA CAMPBELL DE ANDY WARHOL





miércoles, 11 de enero de 2017

FALLECE EL ESCULTOR REALISTA FRANCISCO LÓPEZ HERNÁNDEZ


Francisco López e Isabel Quintanilla  en su taller.(fotografía de Jaime Villanueva)



El pasado 8 de enero falleció el escultor madrileño Francisco López Hernández.  Formó parte, junto a su mujer, la pintora Isabel Quintanilla, del grupo de pintores y escultores realistas cuya obra era una alternativa al informalismo. También formaban parte de este grupo Antonio López García y su esposa María Moreno; Julio López Hernández, hermano de Francisco, y su esposa Esperanza Parada  y por Amalia Avia, casada con el artista Lucio Muñoz. Nacidos la mayoría a principios de la década de 1930,  vivieron y trabajaron en Madrid desde la década de 1950, unidos por su formación en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando y  por sus relaciones personales y familiares.
 
Francisco López Hernández nació en Madrid en 1932 en el seno de una familia de orfebres. A partir de 1951  estudió escultura con José Capuz en la Escuela de Artes y Oficios y cursó algunas asignaturas en el Escuela Superior de Bellas Artes de San Fernando. En 1955 participó en una exposición colectiva en la Dirección General de Bellas Artes de Madrid, junto a los realistas Antonio López y Julio López y el informalista Lucio Muñoz.  En 1956, viajó a Roma con una beca de estudios del Ministerio de Educación. En 1960 se casó con Isabel Quintanilla y obtuvo una plaza en la Academia de España en Roma, donde vivió hasta 1964.
 
De regreso a España, fue becado por la Fundación Juan March en 1966 y a partir de 1969, ejerció como profesor en la Academia de Bellas Artes de San Fernando.
 
A raíz de la exposición Magischer Realismus in Spanien heute : Antonio Lopez Torres, Antonio Lopez Garcia, Amalia Avia, Maria Moreno, Isabel Quintanilla, Julio López Hernández, Francisco López Hernández, organizada en 1970 (del 10 de septiembre al 28 de octubre) por el Kunstkabinett de Frankfurt, se acuñó el concepto de "realismo español" para referirse a la obra de estos artistas. En 1973, fueron presentados en Londres  a través de la exposición colectiva sobre realismo “Contemporary Spanish Realists”, organizada por la galería Marlborough.   Junto a ellos, participan en esta exposición Miguel Ángel Argüello,  Claudio Bravo,  Carmen Laffón y Daniel Quintero.
 
Participó en numerosas exposiciones en Alemania, Francia, Suiza, Estados Unidos  y España,  entre las que destacan Realistes a Madrid (Barcelona, 1984); Otra realidad: compañeros en Madrid (Madrid, 1992); El realismo y sus raíces (Vigo, 1996); Luz de la mirada (Segovia, 2002) o Realidades de la realidad (Valencia, Badajoz, Salamanca y Castellón, 2006-2013).
 
Con motivo de la exposición “Realistas de Madrid” que organizó el Museo de arte Thyssen-Bornemisza entre el 9 de febrero y el 29 de mayo de 2016, en el artículo “Antonio López reúne a sus colegas en el Thyssen” (El Español, digital, de fecha 3 de febrero de 2016) podemos leer:
 
“Somos amigos y familia, grupo nunca”, asegura Francisco López a este periódico. “Tampoco sé qué es el realismo, dónde empieza o dónde acaba. Altamira también es realista, ¿no? No soy capaz de definirlo y no quiero hacerlo tampoco. No quiero más que trabajar”. Reconoce que sus trabajos asentados en la realidad han favorecido el reconocimiento entre el público y el rechazo en los museos. Francisco tenía un relieve expuesto en el Reina Sofía, pero lo han bajado a los almacenes. “No estamos bien representados”, dice su mujer, Isabel, que se queja y dice que es “una falta de respeto”. “Un director te las pone y otro te las quita. Yo estoy mejor representada en Múnich, Hamburgo y Washington que en Madrid”.
Monumento a Enrique Tierno Galván en el parque con su nombre,  Madrid
 

Niño y lagartija, Prat del Llobregat. Fotografía de Ramón Lasheras García 




Escultura Picasso.2008. Plaza de la Merced Málaga 



Homenaje al agente comercial . Gronce 1998 Estación de Atocha Madrid

Ofelia ahogada 1964, Jardines de Villa Cecilia (Barcelona)
A la Constitución de 1978. Bronce, 1991
Gerona
Los reyes de España, 2001. Bronce. Obra de Julio López González, autoría compartida con Antonio López García y Francisco López Hernández. Patio herreriano del convento de San Benito, Valladolid.

.
 
 
ANEXO

Visita virtual a la exposición Realistas de Madrid organizada por el Museo Thyssen-Bornemisza en 2016

lunes, 25 de julio de 2016

PATRIMONIO ARAGONÉS DE LA FRANJA Y SIJENA (4)

Caja sepulcral de Sijena, actualmente en el Museo de Lleida (Foto J. A. C./Heraldo)


Desde esta entrada, mi adhesión al Manifiesto de Sijena. Conoce y adhiérete al manifiesto 

Según informa el diario EL PAÍS: “Este lunes finaliza el plazo marcado por una jueza de Huesca para trasladar a Aragón de forma provisional las 97 obras de arte en litigio del monasterio de Sijena. La Generalitat anunció la semana pasada por carta al Gobierno aragonés el inicio de los trámites necesarios para devolver 53 de las 97 piezas. Son cucharas, tenedores, casullas, cálices y objetos litúrgicos, mayormente, que estaban en los almacenes del Museu Nacional d’Art de Catalunya (MNAC) y que, además, no están catalogados ni protegidos. Esas piezas menores son las que la Generalitat aprobará devolver este martes en su Consejo Ejecutivo. Las 44 restantes en litigio, que se conservan en el Museo de Lleida, de mayor valor y éstas sí catalogadas por la Ley Catalana de Patrimonio. A ese hecho se agarra técnicamente la Generalitat para no devolverlas, en tanto no puede incumplir la legislación catalana”.

“El presidente de Aragón, Javier Lambán, ha indicado hoy que, si hoy no llegan a la comunidad los bienes del monasterio de Sijena procedentes de Cataluña, requerirá mañana a la jueza de Huesca la ejecución de la sentencia."

La Generalitat de Cataluña tiene la intención de devolver las obras y objetos menos importantes; pero, casualmente, no acata la sentencia cuando son obras de mayor entidad y de mayor valor artístico. Cómo conciliar estos hechos con la historia común de todas las obras.



PARA SABER MÁS:


PATRIMONIO ARAGONÉS DE LA FRANJA Y SIJENA


PATRIMONIO ARAGONÉS DE LA FRANJA Y SIJENA (2)







martes, 19 de abril de 2016

¿SE HA ENCONTRADO UNA NUEVA OBRA DE CARAVAGGIO?

Judith decapitando a Holofernes (atribuido a Caravaggio)
Judit se acercó al respaldo de la cama y tomó la espada de Holofernes. 
Luego agarró de los cabellos a Holofernes y dijo: «Dios de Israel, dame fuerzas para hacer esto». 
Entonces le dio dos fuertes golpes en el cuello, y le cortó la cabeza. (Judit 13:6-8) 

E
n 2004, al realizarse unas obras para reparar una fuga de agua, fue encontrado en el falso techo de un trastero de la región de Toulouse un cuadro de 144 por 173,5 centímetros con la representación del tema bíblico Judith decapitando a Holofernes. El pasado 11 de abril de 2016 fue presentado "en sociedad" por sus propietarios en París. El cuadro ha sido atribuida por expertos al maestro italiano Caravaggio y su valor podría estar en torno a los 120 millones de euros. No obstante, otros especialistas cuestionan esta autoría. La labor de catalogación es ardua ya que Caravaggio nunca firmaba sus cuadros y su obra fue objeto de gran cantidad de copias.

Según el ex-director del museo de Nápoles, Nicola Spinoza, el cuadro muestra el estilo característico de Caravaggio. El análisis de este experto ha servido de base a Eric Turquin, contratado por los propietarios del cuadro, para establecer que la obra fue realizada por Caravaggio. Pero, añade que cuando se trata de este pintor y de una obra no totalmente documentada "siempre habrá controversias".

Para afirmar la autenticidad, descartando la posibilidad de que se trate de una copia de una obra de Caravaggio, los expertos destacan las pinceladas audaces y espontáneas propias de Caravaggio que trabajaba sin un bosquejo previo. Además, se observan algunas correcciones claras en las manos, no propias de una copia.

Las conclusiones de los expertos del Museo del Louvre, que pudieron analizar la obra durante tres semanas, no fueron definitivas. De momento, el Ministerio de Cultura prohibió la exportación del cuadro durante los próximos 30 meses, aludiendo a su “gran valor artístico” que Indicó también que “podría ser identificado como una composición desaparecida de Caravaggio, que merece ser retenida en el territorio [francés] como referente muy importante del caravagismo”.


Judith decapitando a Holofernes, 1599. Galería Nacional de Arte Antiguo, en el Pallazo Barberini
Caravaggio pintó dos versiones de la escena bíblica en la que Judith decapita a Holofernes. La primera versión, pintado en Roma probablemente en 1599, se encuentra actualmente en la Galería Nacional de Arte Antiguo, en el Pallazo Barberini. Sin embargo, la segunda versión, que fue pintado en Nápoles entre 1600 y 1610, desapareció sin dejar rastro. Esta segunda versión fue mencionada por el pintor flamenco Frans Pourbus el Joven en una carta escrita en 1607 en la que afirmó haber visto el famoso trabajo en el estudio del pintor y marchante Louis Finson. En el testamento de este pintor, fallecido en 1617, se hace referencia a dos obras de Caravaggio: La Virgen del Rosario y la mencionada Judith y Holofernes.

Los expertos creen que en el siglo XVIII la obra estaba en España. Según Eric Turquín “Los propietarios descienden de un oficial francés que participó en la campaña napoleónica en España y ya vendieron un cuadro importante de origen español hace 40 años”.

Según la publicación francesa Le Quotidien de l’Art, Mina Gregori, una especialista de Caravaggio, que hace dos años autentificó la Magdalena en éxtasis, considera que no se trata de un original del artista italiano “aunque reconoce la calidad indiscutible de la obra”. Hay que tener en que Mina Gregori es considerada por algunos como la máxima experta mundial en Caravaggio.



El arte barroco realizado bajo el patronazgo de la Iglesia estaba, en gran medida, al servicio de la Contrarreforma. El tema de Judith es muy popular en este periodo. La heroína salva a su pueblo de sus enemigos.

Pintores italianos, como Caravaggio, Leonello Spada, Bartolomeo Manfredi, Orazio Gentileschi, Cristófano Allori, Lavinia Fontana, entre otros, representaron el tema; y entre los artistas del Norte de Europa estuvieron Rembrandt, Peter Paul Rubens y Eglon van der Neer. Los artistas escogieron diferentes escenas para representar la historia de Judith. Entre ellas destacan el momento de la decapitación de Holofernes yaciendo en una cama y la vuelta de Judith y su criada a Betulia, con la cabeza cortada en un cesto o envuelta en un paño. Menos común es la representación del banquete. Rembrandt realizó entre 1633 y 1635 un pequeño conjunto de obras con el tema de mujeres heroicas (diosas y,heroínas de la Antigüedad y del Antiguo Testamento); entre ellas Judith en el banquete de Holofernes. En el primer tercio del siglo XVIII, Giulia Lama elige el momento inmediatamente anterior a la decapitación, con Holofernes ya inconsciente, cuando Judith levanta sus ojos al cielo y dice ¡Fortaléceme en esta hora, Dios de Israel!.


Quiero destacar las obras de Artemisia Gentileschi. Hija de Orazio Gentileschi, seguidor de Caravaggio, Artemisia parece haber transferido su experiencia directamente sobre el lienzo. Recordemos que tuvo que trasladarse desde Roma a Florencia por el escándalo en el que se vio involucrada después de la demanda por violación que interpuso contra el pintor Agostino Tassi. Or recomiendo la lectura de la novela "Artemisia" de Anna Banti.  Dos de las obras muestran a Judith decapitando a Holofernes y una tercera a Judith y su sirvienta alejándose del campamento después de la decapitación de Holofernes.
Artemisia Gentileschi; Judith decapitando a Holofernes, hacia 1612-1613. Óleo sobe lienzo (158,8 cm de alto x 125,5 cm de ancho). el Museo di Capodimonte, Nápoles.


Artemisia Gentileschi: Judith decapitando a Holofernes, hacia 1620. Óleo sobe lienzo ( 199 cm x 162,5 cm.)
Gallerie degli Uffizi, Florencia.

                                                   
Artemisia Gentileschi: Judith y su doncella (1618-1619), Palazzo Pitti, Florencia.

PARA SABER MÁS 

"JUDITH AND HOLOFERNES" IN ITALY'S 17TH-CENTURY ART

IMÁGENES DE OBRAS CON EL TEMA DE JUDITH









martes, 5 de abril de 2016

MUERE LA ARQUITECTA ANGLOIRAQUÍ ZAHA HADID

El pasado día 31 de Marzo murió en Miami la arquitecta Zaha Hadid donde construía su primer rascacielos en América, el One-Thousand-Museum con un diseño a base de curvas con todo tipo de instalaciones de lujo. 

ONE-THOUSAND-MUSEUM (imageN  Zaha Hadid Architects)


En 2004 se convirtió en la primera mujer en recibir el prestigioso Premio Pritzker de arquitectura. También fue socia en la Office of Metropolitan Architecture junto con Rem Koolhaas.  Entre otros premios, había recibido en 2003 el Premio de Arquitectura Contemporánea de la Unión Europea - Premio Mies van der Rohe (2003) por la obra Estacionamiento y terminal Hoenheim Norte. Con posterioridad, en Japón, recibió el  Praemium Imperiale (2009), que se otorga en memoria de Su Alteza Imperial el príncipe Takamatsu (1905–1987). Este premio, otorgado a la contribución destacada al desarrollo, la promoción y el progreso de las artes, es considerado como uno de los premios más prestigioso en el mundo del arte. En Febrero de 2016 fue galardonada con la Medalla de Oro del Real Instituto de Arquitectos Británicos. Fue profesora en Harvard, Yale y otras universidades.

Nació en Bagdad en 1950, pero a pesar de su origen iraquí, se puede considerar como una arquitecta británica, pues se formó en la Architectural Association School of Architecture de Londres y en esta ciudad estableció su estudio en 1979. Sus proyectos a finales de los setenta y principios de los ochenta tenían reminiscencias de las arquitecturas constructivistas soviéticas, influencia que compartía con Rem Koolhaas que fue uno de sus profesores de la Universidad. También presenta influencia de la arquitectura deconstructivista de Peter Eisenman.

Los artistas Naum Gabo, El Lissitzky, Kasimir Malevich y Alexander Rodchenko influyeron en el uso de las formas geométricas de la arquitectura deconstructivista de Zaha Hadid. Tanto el deconstructivismo como el constructivismo muestran una preocupación con la tectónica de los ensamblajes abstractos. Sin embargo, la tendencia constructivista hacia el purismo está ausente en el deconstuctivismo. SI la construcción se deconstruye, la forma sufre  una deformación. El deconstructivismo destaca por la  ausencia la defensa de las causas socialistas y colectivistas, indispensables en el constructivismo ruso.

Durante un par de décadas, ninguno de sus grandes proyectos pudo ser construido ya que las técnicas constructivas del momento no podían realizar las superficies planteadas por la arquitecta. En otras ocasiones el impedimento su elevado coste económico de la construcción del proyecto.

Su primera obra reconocida llegó en 1993, con la estación de bomberos dentro del complejo Vitra (Weil am Rhein, Alemania), una empresa de mobiliario que ha reunido un importante conjunto de edificios realizados por los principales arquitectos de las tres últimas décadas. Además de la obra de Zaha Hadid, han diseñado edificios Frank Ghery (responsable, entre otros, del edificio continente de una de las mayores colecciones de muebles de diseño moderno: el Museo Vitra), Tadao Ando (Pabellón de Conferencias), Nicholas Grimshaw, Buckminster Fuller, Alvaro Siza, Jean Prouvé, el estudio japonés SANAA (Nave de producción ) y Herzog & de Meuron ( VitraHaus).

Vitra. Estación de Bomberos

Vitra. Estación de Bomberos (interior)

En 2001 diseñó la Estación ferroviaria Hoenheim-North (Terminal y Parking) en Estrasburgo (Francia)
Hoenheim-North


En 2002, diseñó la plataforma de saltos de esquí Bergisel de Innsbruck (Austria).

 
 







Su consagración llegó en 2003 con la construcción del Centro de Arte Contemporáneo Rosenthal en Cincinnati (Ohio), su primera obra en EEUU.

Centro de Arte Contemporáneo Rosenthal (1998), Cincinnati, Ohio

Centro de Arte Contemporáneo Rosenthal (1998), Cincinnati, Ohio. Interior


Fue un momento clave en la trayectoria se Zaha Hadid. David García Asenjo en su artículo “Zaha Hadid, la arquitecta que no pudo hacer sus sueños realidad” afirma con gran acierto: “La obra fue bien recibida y permitió a Hadid consolidar su posición dentro del escalafón de arquitectos de renombre internacional… Este reconocimiento y la aparición de los sistemas informáticos, que permitieron construir el Museo Guggenheim de Bilbao, fueron la vía de salida que encontró el equipo de Zaha Hadid para poder levantar sus ideas. En la actualidad, estos medios permiten construir cualquier forma geométrica y los nuevos materiales pueden adaptarse cualquier superficie planteada. Abandonaba así una arquitectura basada en la  línea y el plano, relacionada con sus influencias constructivistas, para pasar a una arquitectura en la que la superficie era la protagonista.”

Así, al año siguiente, en 2004, le fue otorgado el mencionado el Premio Pritzker. Para el jurado, presidido por Lord Rothschild y compuesto, entre otros, por Frank Gehry, Ada Louise Huxtable o Jorge Silvetti, Hadid «muestra su audacia en cada nuevo proyecto que afronta y su originalidad no tiene fin…  ha creado y refinado pacientemente un vocabulario que ha marcado unos nuevos límites en el arte de la arquitectura». Por su parte Frank Gehry comentó: «Es probablemente una de las más jóvenes galardonadas y la que posee una de las trayectorias más claras que hemos visto durante muchos años. Una nueva excitación e innovación se revela en cada proyecto que aborda». El presidente del jurado, Lord Rothschild, comentó: "Al mismo tiempo, tanto en su trabajo teórico y académico como en la práctica arquitectónica, Zaha Hadid ha sido inquebrantable en su compromiso con el modernismo. Siempre inventiva, dejó de lado las tipologías existentes, a partir de la tecnología, cambiando la geometría de los edificios". Y agregó: "En su cuarto año en la Asociación de Arquitectura de Londres, como estudiante de Rem Koolhaas, su proyecto de graduación fue nombrado Malevich’s Tectonik. Ella emplazó un hotel en el puente Hungerford, sobre el río Thames, comenzando sus bosquejos desde formas suprematistas hasta encontrar las demandas del programa y del lugar. Es una feliz coincidencia, por lo tanto, que este año la ceremonia de entrega del premio sea en San Petesburgo, Rusia, donde Malevich vivó y trabajó, una ciudad de extraordinaria originalidad y belleza".  

El reconocimiento a Zaha Hadid con este galardón le abrió muchas puertas para la realización de muchos proyectos donde importaba más la creación de nuevas formas que la racionalidad económica y espacial. 


Anexo Ordrupgård (2005), Copenhague, Dinamarca

Centro de Ciencia Phäno (2005), Wolfsburgo, Alemania (link)

Centro de Ciencia Phäno (2005), Wolfsburgo, Alemania 
Centro de Ciencia Phäno (2005), Wolfsburgo, Alemania. Interior
Centro BMW (2005), Leipzig, Alemania (link)

Centro de Arte Contemporáneo MAXXI de Roma (1999-2010) (link)

Centro de Arte Contemporáneo MAXXI de Roma


Centro de Arte Contemporáneo MAXXI de Roma. Interior


En 2005 realizó el proyecto ganador en el concurso de diseño del Pabellón Puente de la Exposición Internacional de Zaragoza 2008.

Vista de la Exposición  Internacional de Zaragoza de 2008. Al fondo el Pabellón Puente de  Zaha Hadid.









Diseño el Centro Acuático para los Juegos Olímpicos de Londres 2012 (link), ubicado en el Parque Olímpico en Stratford en el este de Londres. Tenía una capacidad durante los juegos de 17.500 personas,  reducida después de los juegos a 2.500 personas con una capacidad de 1000 asientos adicionales. Este edificio supuso el reconocimiento final de la ciudad en la que Zaha Hadid se había establecido. En septiembre de 2015, fue distinguida con la Medalla de Oro de la RIBA en reconocimiento a su trayectoria.


Centro Acuático Londres 2012

Centro Acuático Londres. Interior.

Centro Acuático Londres (después de las Olimpiadas)





En Pekín llevó a cabo dos de sus proyectos más característicos: el Galaxy Soho y el Wangjing Soho.

El Galaxy Soho ocupa más de 50.000 metros cuadrados en Chaoyangmen, una de las zonas financieras de la ciudad. Se trata de un impresionante edificio de cuatro volúmenes (edificios) con un diseño orgánico y volúmenes curvilíneos, característicos en la obra de Hadid. Alberga oficinas, una zona comercial y varios restaurantes. Estos edificios están conectados por pasillos y corredores y tienen luz natural gracias a un patio central, espacio característico de la arquitectura tradicional china.
Galaxy Soho


Galaxy Soho


El Wangjing Soho está formado por tres bloques en torno a un patio interior. Está ubicado en el barrio del mismo nombre, Wangjing, una de las zonas con mayor concentración de start ups o empresas de nueva creación que presentan grandes posibilidades de crecimiento y empresas tecnológicas de Pekín. Resulta muy interesante la multiplicidad de puntos de vista que presenta este conjunto de edificios. Los edificios absorben y reflejan la luz gracias a su acabado en aluminio blanco. Como en el edifico anterior dispone de sistemas sostenibles para la monitorización de energía y reutilización del agua.
Wangjing-Soho Fotografía de Jerry Yin
 
 


Wangjing Soho Fotografías de Cristiano Bianchi


Está previsto que durante el tercer trimestre de 2016 se inicie la construcción de  las primeras viviendas de Zorrozaurre (Bilbao), contando con un plazo de ejecución de 30 meses. Zaha Hadid diseñó  el Plan General de Zorrozaurre en 2006, Bilbao, (link)

También llevó a cabo algunos trabajos de alto perfil, en lo que se refiere a diseño de interiores, incluyendo Mind Zone en el Domo del Milenio de Londres
Ganó numerosos concursos internacionales, sin embargo, muchos de sus diseños no se construyeron nunca. Entre las construcciones que no llegaron a realizarse, cabe señalar:
Ampliación del Parlamento Holandés (1978-1979)
Parc de la Villette en Paris (1982-1983)
The Peak Club, Hong Kong (1983)
Casa de la Ópera de la Bahía de Cardiff en Gales (1994)

Ha diseñado la sede principal de los Juegos Olímpicos de 2020 pero al final fue rechazado el verano pasado porque aumentaba los costos. Originalmente se esperaba que costara 2,5 mil millones de dólares, más del doble del monto asignado para el estadio (link). El nuevo estadio olímpico será diseñado por el japonés Kengo Kuma.




Para saber más: