jueves, 23 de octubre de 2014

LA EDUCACIÓN DE LA VIRGEN DE DIEGO VELÁZQUEZ


Educación de la Virgen de Diego Velázquez, Sevilla 1617.  Yale University

Diego Rodríguez de Silva y Velázquez (Sevilla, 599 - Madrid, 1660), es considerado el máximo exponente de la pintura barroca española. A los once años inicia su aprendizaje en el taller de Francisco Pacheco donde permanecerá hasta 1617, año en que es aceptado en el gremio de pintores y se convierte en un pintor independiente. Al año siguiente, con 19 años, se casa con Juana Pacheco, hija de su maestro.

Sobre este matrimonio, el propio Pacheco dice: "Después de cinco años de educación y enseñanza le casé con mi hija, movido por su virtud, limpieza, y buenas partes, y de las esperanzas de su natural y grande ingenio. Y porque es mayor la honra de maestro que la de suegro, ha sido justo estorbar el atrevimiento de alguno que se quiere atribuir esta gloria, quitándome la corona de mis postreros años. No tengo por mengua aventajarse el maestro al discípulo, ni perdió Leonardo de Vinci por tener a Rafael por discípulo, ni Jorge de Castelfranco a Tiziano, ni Platón a Aristóteles, pues no le quitó el nombre de divino."

Entre 1617 y 1623 se desarrolla la etapa sevillana, caracterizada por el estilo tenebrista caravaggiano, con una luz intensa y dirigida, una pincelada muy empastada, un predominio de los tonos tostados y unas carnaciones cobrizas.
El aguador de Sevilla. Diego Velázquez, 1620
Óleo sobre lienzo,  106,7 x 81 cm
Apsley House, Londres, Reino Unido


Las obras de esta etapa destacan por un realismo popular que también encontramos en la literatura de la época, principalmente en la novela picaresca tal como podemos observar en las primeras obras como Tres músicos de 1617-1618 y El almuerzo de 1618. .

Tres músicos. Diego Velázquez,  1617-1618.  Staatliche Museen, Berlín
Vieja friendo huevos.Diego Velázquez, 1618. Óleo sobrelienzo, 100.5 x 119.5 cm
National Galleries of  Scotland,
Realismo que también podemos observar en cuadros de temas religiosos como Cristo en casa de Marta y María de 1618 o La Cena de Emaús de 1620 en las que el tema religioso se dispone en el fondo mientras que en un primer plano aparecen personajes con rasgos populares y sencillos bodegones perfectamente ejecutados. De este mismo período es la Adoración de los Magos (1619)

Adoración de los Reyes. Diego Velázquez,  1619.
Óleo sobre lienzo,   204 x 126,5. Museo del Prado


Velázquez obtiene un gran éxito y en 1623 se traslada a Madrid donde obtiene el título de Pintor del Rey Felipe IV.

Los recientes estudios establecen la autoría de Velázquez de la obra “La educación de la Virgen” datándolo en Sevilla, concretamente en el taller de Francisco Pacheco, hacia 1617. Época en la que el joven Diego Velázquez estaba aún como aprendiz en dicho taller. En este taller coincidió con Alonso Cano, quien también pintaría, en 1630, un cuadro con el mismo tema.



La educación de la Virgen antes de la restauración


Centrémonos en esta obra que es considerada la primera pintura que se conserva de Diego Velázquez.

El 2 de Julio de 2010, John Marciari, conservador de arte,  en una entrevista de Marta Caballero, publicada en El Cultural.es comentó: “La primera vez que vi la pintura fue en 2003 e inmediatamente pensé "esta es una gran obra, pero ¿de quién?". Estaba catalogada simplemente como Escuela Española. Me planteé varias hipótesis hasta que un día, quizá tres o cuatro meses después, de repente me golpeó. "¡Espera, esto es un Velázquez de la primera época!". Me dije a mí mismo que estaba loco, tarado, demente. No parecía posible que Yale hubiera tenido un Velázquez durante 80 años sin que nadie hubiese reparado en él. No podía ser. Había pasado antes por eso, con pinturas y, especialmente, con dibujos de los viejos maestros, sin embargo, nada de eso importa: crees que son de alguien conocido y algún tiempo después -minutos, días, semanas...- el nombre te viene de repente a la cabeza. Pero aquí, inmediatamente después de reconocer que era un Velázquez, me di cuenta de lo difícil que iba a ser probarlo.”

En  este mismo artículo comentaba las claves del artículo que John Marciari, Conservador Jefe del Museo de Bellas Artes de San Diego, publicado en el número 7 de la revista Ars Magazine, de Julio-Septiembre de 2010.  John Marciari hacía referencia a la autoría del cuadro, al estado de conservación de la pintura, a la trascendencia del hallazgo y a la iconografía representada. La composición, las pinceladas largas y gruesas, el tratamiento de los pliegues de los ropajes y la ejecución del bodegón en la parte inferior izquierda de la obra indicarían la autoría velazqueña. Marciari apuntó, incluso, que pudo presidir el retablo mayor del convento carmelita de Santa Ana, hasta su inundación en 1626.

Con anterioridad, en 1971, un estudiante de Yale, Umberto Rodríguez, comentó por primera vez que podría tratarse de una obra de Velázquez.

El artículo de John Marciari causó una gran revuelo internacional, lógico si tenemos en cuenta que se trataba de la atribución del cuadro de «La educación de la Virgen» (1617) a Diego Velázquez. El historiador Jonathan Brown, autor del imprescindible Velázquez, pintor y cortesano, puso en duda la atribución de esta obra  al maestro sevillano. Esta afirmación se basaba en lo que denomina detalles groseros que contiene la tela, ejecutados por un autor de poca destreza, en el hecho de que los objetos del bodegón parecen estar volando y que a la Virgen la ha dejado de sexo indeterminado. Por otra parte, añade que Francisco Pacheco, el maestro de Velázquez, en el Arte de la Pintura criticó la temática de la tela porque, en su opinión, la Virgen nació en estado de perfección, incluyendo la capacidad de leer.

 



Francisco Pacheco en su Tratado de la Pintura comenta: " Con menos fundamento, y más frecuencia, se pinta hoy la bienaventurada Santa Ana enseñando a leer a la Madre de Dios, cuya pintura es muy nueva, pero abrazada del vulgo; digo nueva, porque he observado que habrá 24 años, poco más o menos, que comenzó hasta este de 1636, de una Santa Ana de escultura que estaba en una capilla en la iglesia parroquial de la Madalena, la cual acompañó después un escultor moderno con la Niña leyendo; de donde pintores ordinarios la extendieron, hasta que el licenciado Juan de Roelas (diestro en el colorido, aunque falto en el decoro) la acreditó con su pincel, en el convento de la Merced de esta Ciudad; donde está la Virgen arrodillada delante de su madre, leyendo en casi un misal, de trece o catorce años, con su túnica rosada y manto azul sembrado de estrellas y corona imperial en la cabeza; tiene a su lado Santa Ana un bufete con algunas colaciones del natural y debajo, un gatito y perrillo, junto a la Virgen está una canastilla de labor con otros juguetes; y aunque es verdad que ha parecido a algunos doctos no haber fundamento bastante para reprehender semejante pintura, de lo mucho que al autor de la advertencia pasada sobra, no valdremos en ésta, poniendo, primero, las razones con que se disculpa esta pintura".
Cuatro años después se presenta la obra en el Espacio Santa Clara de Sevilla en el contexto de la exposición «El joven Velázquez».  La obra se expone tras un proceso intenso de restauración, realizada por Carmen Albendea e Ian McClure gracias al mecenazgo del Banco Santander. La exposición se podrá visitar hasta el 15 de enero de 2015.

Frente a ella ha colocado tres piezas esenciales para entender la obra: La educación de la Virgen, de Juan de Roelas (1612), La Sagrada Familia, de Luis Tristán (1603) y La imposición de la Casulla a San Ildefonso, de Velázquez (hacia 1622).

En 1617, Velázquez aún estaba en el taller de su futuro suegro, Francisco Pacheco y comienza a asimilar los primeros elementos naturalistas, tanto de Juan de Roelas, pintor de origen flamenco Juan de Roelas que permanecería en la ciudad entre los años 1604 y 1616,  como de Luis Tristán, (Toledo, 1585 - 1624), considerado el mejor discípulo de El Greco, evolucionó hacia el naturalismo tenebrista. De ahí que en la muestra se puede ver el cuadro en cuestión junto con La educación de la Virgen de Juan de Roelas, que sirvió de inspiración al pintor, y la Sagrada Familia de Luis Tristán, pintada en 1613 en Sevilla.



Educación Virgen Juan de Roelas
Museo de Bellas Artes de Sevilla

La Sagrada familia de Luis Tristán,1613. Institute of Arts. Minneapolis.





En esta misma exposición, podemos contemplar  la obra  La imposición de la casulla a San Ildefonso, pintada por Velázquez en Sevilla en 1623, donde podemos comprobar la influencia de El Greco.

La imposición de la casulla a San Ildefonso pintada por Velázquez en Sevilla en 1623.
Propiedad del Ayuntamiento de Sevilla





lunes, 13 de octubre de 2014

LAS PROPORCIONES EN EL DORÍFORO DE POLICLETO

La semana pasada comentamos en clase la relación de la arquitectura y de la escultura en el mundo griego con las matemáticas. El diámetro inferior del fuste de las columnas como módulo en los diferentes órdenes griegos,  el canon en la escultura que utiliza la altura de la cabeza como módulo…. También comentamos la proporción áurea o divina proporción basada en el número de oro o Φ (Phi) en honor del escultor Fidias. Por último comentamos la Serie de Fibonacci.

Número Φ

Rectángulo Aúreo


Según Euclides: "Se dice que una recta ha sido cortada en extrema y media razón cuando la recta entera es al segmento mayor como el segmento mayor es al segmento menor".


Quedo muy clara la teoría sobre las características del rectángulo de oro, no tanto, creo, su aplicación en la obra de arte. Comentamos la proporción áurea en el Partenon. En esta entrada trataré sobre la relación entre el Doríforo de Policleto y la proporción áurea.


Policleto realizó un pormenorizado estudio de las proporciones del cuerpo humano, y las describió en un célebre tratado de escultura Canon que en la actualidad está casi totalmente perdido. En él establece un canon de la belleza ideal masculina basado en las proporciones entre las diversas partes del cuerpo. Cada una de las partes del cuerpo debe tener unas dimensiones adecuadas para componer el conjunto armónico ideal. La belleza basada en la armonía. Con mucha probabilidad, el Doríforo (Portador de lanza), fue el modelo utilizado por Policleto para ejemplificar su canon

Afirmaba que la cabeza debía de ser la séptima parte de la altura total de la figura. La cabeza se dividía en tres partes iguales que se correspondían a la frente, la nariz y la distancia de ésta al mentón, el pie tres veces la anchura de la palma de la mano; mientras la pierna, desde el pie a la rodilla, debe medir seis palmos, y la misma medida habrá también entre la rodilla y el centro del abdomen. Como se ve estamos ante una concepción matemática de la belleza humana.





La proporción áurea en el Doríforo




Si aplicamos este esquema al Diadúmeno la coincidencia es total



La proporción áurea en el Diadúmeno

lunes, 7 de julio de 2014

H.R. GIGER


H.R. Giger Foto_ Twentieth Century Fox

El pasado 12 de mayo falleció el creador de Alien, Hans Rudolf “Ruedi” Giger, conocido como H. R. Giger. Sus principales influencias fueron los pintores Ernst Fuchs y Salvador Dalí. Con un estilo artístico denominado realismo fantástico y, otras veces, surrealismo, fue el creador de un estilo donde se fusiona la anatomía humana y las máquinas, creando sus “biomechanics”. Siempre será recordado por el gran público como diseñador de efectos y elementos cinematográficos. 

Giger será recordado como un maestro del mejor arte fantástico. Giger merece figurar junto a otros grandes como Roland Topor, Ernst Fuchs, Erik Brauer o Frederich Schroder-Sonnenstern, artistas que han creado con su arte un mundo absolutamente personal y perturbador que transciende lo meramente estético. Estas obras están relacionadas con una corriente artística que se ha dedicado a mostrar la cara más misteriosa que se oculta tras la realidad. Recordemos las escenas del Juicio Final y del Infierno que encontramos en la cultura occidental desde la Edad Media, las pinturas negras de Goya o algunas obras del expresionismo y del surrealismo.

Giger Fotografía EPA


Este artista gráfico y escultor nació el 5 de febrero de 1940 en Chur (Coira), capital del cantón de los Grisones y del distrito de Plessur, Suiza. Su padre era un farmacéutico; por ello, creció y se educó entre frascos de pociones, material médico y modelos anatómicos humanos, algo que con seguridad influyó en su obra. Sus primeros óleos y dibujos ya muestran un sentido muy macabro, así como un evidente gusto por el universo fantástico de obras literarias como Drácula o El Fantasma de la Opera; también presentan un marcado contenido erótico. Estudió en la Escuela de artes y oficios en Zurich, en el Departamento de Arquitectura de interiores y Diseño industrial (1962-1965). Durante unos tres años trabaja para el estudio de Andreas Christen como diseñador de muebles de oficina e interiores. Publicó dibujos es varias revistas underground  como Clou o Agitation. Destaca su serie de los Atomkinder (Niños Atomicos) y los dibujos de Ein Fressen fur der Psychiater (Una comilona para el psiquiatra) como consecuencia de su estudio de Freud y la interpretación de los sueños. De hecho marcaría el inicio de su personal exploración onírica en busca de motivos para sus obras. Según el propio Giger, sus sueños, y especialmente las pesadillas, fueron durante años su principal fuente de inspiración. La experimentación con drogas, como el LSD,  le reportaran mejores resultados como él mismo comentó.  Llevó a cabo experimentos, realizando acciones antes de dormir, para condicionar los sueños.

Atomkinder

 


En 1966, trabajando para el estudio de Andreas Christen, vive en Zúrich con el actor de teatro Paul Weibel. A través de él conoce a la actriz y modelo Li Tobler, con quien compartió romance y arte hasta su suicidio a los 27 años de edad, el 19 de mayo de 1975. A partir de 1967 se traslada a vivir con ella a una casa con amenaza de demolición en la que se dedica a realizar dibujos cada vez más grandes y elaborados. Surgen entonces auténticas obras maestras como Madre con hijo, Máquina de parir o Bajo la tierra, realizadas con una  gran imaginación. Profundiza en la técnica al óleo sobre madera que había aprendido de forma autodidacta. Estos cuadros al óleo de Giger, de un marcado carácter surrealista, evidencian la influencia de los paisajes de Richard Oelze y las imágenes eróticas de Hans Bellmer. Muchos de estos cuadros, que  sólo se conservan a través de fotografías, muestran paisajes extraños semejantes al interior de órganos anatómicos. Destaca entre estos, los varios Homenaje a S.Beckett de 1968, donde formas larvarias se retuercen incrustadas en una estructura metálica.



 
 
 
 


Paisajes, 1967 Óleo sobre cartón, pequeño formato

Homenaje a S Beckett I, 1968
Óleo sobre madera 100x80

Homenaje a S Beckett II, 1968
 Óleo sobre madera 100x80


Según el propio H.R. Giger: 

"Cuando uno se introduce en el mundo del arte, tarde o temprano, se ve confrontado, quiera o no, con la pintura al óleo. Pero para mí personalmente, la pintura al óleo es demasiado lenta. Además nunca recibí clases en ésta especialidad, por lo cual quizá no he trabajado con la técnica adecuada.  No obstante realicé algunas obras que, reconocidas en su totalidad por el Estado, están colgadas en centros de arte y bancos. Entre 1969 y 1971 me dediqué a la pintura al óleo que había aprendido de forma autodidacta; utilizaba gasolina como disolvente para diluir el color, con lo que conseguía texturas de gran efectismo. Los primeros cuadros datan de algunos años antes, alrededor de 1960/61 y, salvo raras excepciones, se perdieron en Coira.  Gulf Juvalta, un antiguo amigo del colegio que utilizó los cuadros en una obra de teatro (1962), me contó más tarde que, después de las representaciones, los cuadros se habían guardado en los depósitos del teatro, en las buhardillas, y que con la restauración del edificio probablemente ¡se habrían tirado a la basura! Por eso, de estos intentos de estilo surrealista, pintados en su mayoría en rojo, no existen más que fotografías en blanco y negro, el Cuadro de Drácula y algunos trabajos con pintura a la aguada" 

En 1967 conoce al productor de cine F.M. Murer y colabora con él para realizar el primer corto documental (de unos diez minutos) sobre su obra con el título de High. En  1968 decide dedicarse íntegramente a su carrera artística. En ese momento, F.M Murer le pide que se encargue de algunos diseños para Swissmade un medio-metraje de ciencia ficción que éste va a producir. Giger ideará así su primer ser extraterrestre para el cine.

En 1969 empiezan a ser reproducidas sus imágenes en pósters, normalmente en ediciones limitadas y, a  partir de finales de los 70, en grandes libros de lujo, tal y como hará durante toda su carrera.

Ese año también publica su magnífica carpeta serigráfica Biomecanoides, con ocho imágenes en negro sobre color plata. Estas obras son ya una plena declaración de principios y anticipan con toda claridad muchas creaciones posteriores, incluido el diseño de  Alien.

 
 
 
 
Biomechanoiden, 1969 Serigrafía en negro sobre plata 98 100 x 80 cm


En 1970 deja constancia de unas agobiantes pesadillas a través de una serie de pinturas. Estos cuadros al óleo muestran cuartos de baño y habitaciones extrañas con ventanas a interiores muy angustiosos. Gracias al disolvente usado (gasolina) consigue una textura que hace parecer que los cuadros estén hechos con piel. Son imágenes verdaderamente claustrofóbicas y que según el propio Giger le sirven de terapia eficaz. Pinta también una extraña serie denominada Pasajes, motivadas por un recolector de basuras que había fotografiado y que serían la excusa para imágenes de alto contenido erótico. Algo más tarde serían el hilo conductor para un nuevo corto documental sobre su obra, otra vez a cargo de su amigo F.M. Murer. 

En 1971 forma un grupo para reivindicar el asilo político en Suiza de Tim Leary, el guru del LSD que en ese momento estaba perseguido por la justicia norteamericana. Leary, expulsado de Suiza, es apresado tras una serie de huidas de país en país y pasará varios años en la carcel. 

A partir de 1972 Giger empieza usar decididamente el aerógrafo con una serie de obras que el mismo calificaría de psicodélicas, hechas sin un plan concebido alguno al estilo del automatismo puro, muy influidas por los escritos del pintor Ernst Fusch. Comienza haciendo obras en blanco y negro. Se trata de obras de gran tamaño y en las que podemos observar como Giger va adquiriendo una mayor destreza con el aerógrafo. Entre estas primeras obras se encuentra Chiquita, gran y enrevesado dibujo de 240 x 418 centímetros. A partir de estos primeros experimentos las imágenes irían tornándose técnicamente más complejas y adquiriendo volumen y profundidad, con lo cual va añadiendo colores, pero pronto comprueba que usando muchos colores estos se mezclan, lo que conlleva un verdadero caos visual. Decide usar solo variaciones de un mismo color para cada cuadro, normalmente el gris o el marrón, y algún otro más claro para resaltar los efectos de luz.


Chiquita 1972





En 1973 acomete ya obras tan majestuosas como Aleph, un tipo de obra que ya deja ver tanto una vertiente surrealista como un creciente interés por los símbolos ocultistas. 

Este mismo año muere uno de sus mejores amigos, el pintor Friedrich Kuhn, considerado por Giger como uno de los mejores pintores de Suiza. Sobre una fotografía ampliada de su amigo realiza una serie de retoques con aerógrafo, el resultado será un espléndido retrato de Kuhn convertido en un Mago rodeado de seres fantásticos.


 
 

Portada de  Emerson Lake Palmer Brain Salad Surgery

En 1973 recibe el encargo de realizar la portada de un disco para el grupo de rock Emerson Lake and Palmer. En ella aparecía un cráneo humano encerrado en una máquina. De esta forma Giger se dio a conocer a nivel internacional.



No fue su primera relación con la música. Ya en 1968 había hecho el cartel para el grupo suizo de rock-satírico-político Floh de Cologne y en 1969 había ilustrado el disco del grupo de hard rock underground Walpurgis.
  • Cartel  para el grupo suizo de rock-satírico-político Floh de Cologne,1968
  • Con posterioridad sus imágenes ilustrarán discos de músicos y grupos tan dispares como Magma, Debbie Harry, Steve Stevens (Giger diseñó la portada del disco, Playboys Atomic, primer álbum de estudio del guitarrista Steve Stevens , lanzado en 1989) o Thomas Gabriel Fischer, también conocido por su nombre artístico de Tom G. Warrior. Con este último, colaboró en las portadas de las diferentes bandas en las que participó: Celtic Frost (To Mega Therion , en 1985) y Triptykon (Eparistera Daimones en 2010 y Melana Chasmata en 2014).



Portada del disco de Flor de Cologne,  1974


To Mega Therion, 1985





Steve Stevens Atomic Playboys 1989



Triptykon Eparistera Daimones (2010)

Melana Chasmata (2014)


  • Entre los diseños de portadas destaca el diseño para el álbum Koo Koo (1981), disco en solitario de la vocalista del Blondie, Debbie Harry. Esta portada, donde la cantante aparece con el rostro atravesado por agujas gigantes, fue considerada, en 1991, por la revista Rolling Stone como una de las 100 mejores portadas de todos los tiempos.




Diseño para el álbum Koo Koo (1981)

También, en 1973, se encierra durante dos semanas junto a los pintores Claude Zandoz y Walter Wegmüller para la realización de una serie de pinturas. El resultado son unas obras increibles que conjugan el talento de tres grandes artistas. Esta colaboración quedó plasmada en un documental de J.J. Wittmer.


Landscape XIV, 1973

En 1975  Concluye la serie de pinturas Passagentempel (El templo de los pasadizos) encargada por la Galeria Sydow-Zirkwitz de Frankfurt am Main.  Una obra espectacular pensada para crear un entorno tridimensional, una especie habitación a la que el observador entra y queda rodeado literalmente del mundo de Giger. Esta obra inicia la etapa más madura y prolífica del artista, que durará hasta mediados de los 80. Sin embargo no todo es felicidad, pues llega una repentina tragedia.

A finales de este año Li recae en un fuerte estado depresivo y se suicida de un disparo. Tenía 27 años. Se le acusa de haber influido negativamente sobre su compañera a través de la temática de sus obras. La muerte de su compañera le provoca un fuerte shock dejándole un inmenso vacío en el artista. En 1976 Giger celebró un ritual, The Second Celebration of the four, dedicado a Li. De este ritual se publicaron una serie de imágenes  en un álbum de edición limitada.

Li I (1974)

Li II

Fotograma de The Second Celebration of the four


En 1975, a través del pintor norteamericano Robert Venosa(1936-2011). Robert Venosa conoce al director chileno Alejandro Jodorowsky que estaba preparando la adaptación al cine de de Dune, la novela de Frank Herbert. Trabajó en el proyecto durante más de 5 años. Invitó a participar al actor, director, guionista y productor estadounidense Orson Welles como el Barón Harkonnen, al pintor surrealista español Salvador Dalí como el Emperador Shaddam IV, al ilustrador inglés Chris Foss, a la banda inglesa de rock Pink Floyd y al artista gráfico y escultor suizo H.R. Giger; todos ellos bajo la dirección artística del dibujante francés Jean "Moebius" Giraud. Para interpretar a Paul, el hijo del duque Leto Atreides, contaba con su hijo Brontis Jodorowsky. También quería contar con Mick Jagger como Feyd Rautha, Alain Delon como Duncan Idaho, Geraldine Chaplin como Lady Jessica, David Carradine como duque Leto, Gloria Swanson como la Reverenda Madre y Jean-Pierre Vigneau como Gurney Halleck. Los diseños de vestuario  serian del artista francés Moebius y los de los planetas y naves de Giger y Chris Foss.

Diseño de Giger para la fortaleza de la Casa Harkonnen

Gusanos de arena de Arrakis para  Dune de  Jodorowsky 



La realización del proyecto se retrasó en varias ocasiones y, al final, no se realizó principalmente por no encontrar financiación suficiente.

  • Dune es una novela de ciencia ficción escrita por Frank Herbert en 1965. Su éxito fue rotundo; en 1966 ganó el Premio Hugo y en 1965 la primera edición del Premio Nébula a la mejor novela de ciencia ficción. Posteriormente el autor continuaría la saga con El mesías de Dune (1969) y la concluyó con Hijos de Dune (1976), que cerraba la trilogía prevista. El éxito de la trilogía le llevó sin embargo a escribir posteriormente Dios emperador de Dune (1981), Herejes de Dune (1984) y Casa Capitular Dune (1985).
  • Tras la muerte de Frank Herbert, se han añadido a la saga dos trilogías que narran los antecedentes que condujeron a los hechos de la saga principal, Preludio a Dune (1999-2001) y Leyendas de Dune (2002-2004), escritas por el hijo del autor, Brian Herbert, en asociación con el escritor de ciencia ficción Kevin J. Anderson, así como dos novelas que concluyen la saga original, Cazadores de Dune (2006) y Gusanos de arena de Dune (2007).
  • En 1984, David Lynch dirigió una película de ciencia ficción basada en la novela Dune  de Frank Herbert. Protagonizada por Kyle MacLachlan, Silvana Mangano, Brad Dourif y José Ferrer, entre otros. Fue producida por Dino y Raffaella de Laurentiis. Años después, en el 2000, también se realizaría una miniserie de televisión inspirada en la primera novela, titulada Dune; a la que seguiría otra miniserie inspirada en las dos novelas siguientes, titulada Hijos de Dune.

The spell II
The spell IV

Entre 1973 y 1977 realiza la serie The Spell, formada por cuatro grandes paneles.  Una de estas obras es una adaptación del Baphomet (supuesto ídolo de los templarios) de Eliphas levi, famoso ocultista del siglo XIX. A partir de Levi la figura de Baphomet ha sido, en gran medida, tergiversada. Vinculándose desde entonces con el macho cabrío de los aquelarres.  


Baphomet según Eliphas levi
Giger ya había dejado ver su interés por el ocultismo en otras obras, como el retrato de Aleister Crowley, llamado la Bestia y considerado por la Prensa sensacionalista de su tiempo como “el hombre más malo del mundo”. Se trataba de un pintor, escritor. experto cabalista, descendiente de la tradición ocultista occidental que transmitieron maestros de la talla del Conde de Saint Germain,Papus y principalmente  de Eliphas Levy del que sese creía su reencarnación.
Retrato de Aleister Crowley

En 1977 Giger lanza un libro  con la recopilación de sus cuadros y dibujos realizados hasta ese momento. El libro se denominó “Necronomicón”, en honor al libro homónimo de H. P. Lovecraft. 


Esta obra impresionó a Ridley Scott, que estaba en fase de preproducción de la película Alien, y le contrató para diseñar  el mundo alienígena  y su nave con una apariencia orgánica y biomecánica en contraste con Nostromo, la nave humana, que presenta un aspecto industrial. Así Necronom IV  inspirara a Alien.  De nuevo compartirá diseños con Moebius.

Primera versión de NECRONOM IV.  Necronomicon 1977
Giger altera la estética convencional de la ciencia-ficción.  De hecho Alien es básicamente una película de terror ambientada en el espacio y Giger sabe sacar todo el partido de esto. Alien presenta una imagen con una ausencia total de empatía por el ser humano. La larga escena en la nave alienígena abandonada, totalmente apoyada en sus diseños, es una cumbre del cine de terror.

Alien

Alien fue estrenada en 1979. Por esta película le concedieron, en 1980, junto a Carlo Rambaldi y otros, el Oscar a los mejores efectos visuales.

  • El éxito de esta película generó tres secuelas( Aliens, Alien 3 y Alien Resurrection), dos crossovers o interrelación de historias (Alien versus Predator y Aliens versus Predator: Requiem) y de la película Prometheus(2012), precuela o historia que precede a la de una obra inicial y central.

Giger también participó en el diseño gráfico de otras películas, como Species (Roger Donaldson, 1995), siendo estos trabajos usados en las portadas de muchos libros y discos. Giger diseñó asimismo la parte gráfica de videojuegos como Dark Seed (1992) y Dark Seed II(1995), aventuras gráficas de ambientación lovecraftiana.


Este mismo año, 1979, conoce a la que será más tarde su esposa, Mía Bonzanigo. Su trabajo en Alien y la atracción por su nueva compañera le inspira la serie de Erotomechanics, obras de un carácter eminentemente erótico con imágenes explicitas.


De sus frecuentes viajes a Estados Unidos nace en él una fascinación por sus ciudades, la monstruosidad de los rascacielos de ciudades frías e inhumanas. De esta fascinación surge en 1981 su serie de pinturas N.Y. City.



BNw York City IV


BNw York City VIII


En la década de los 80 y principios de los 90 se puede detectar una cierta decadencia en la obra de Giger. Realiza diseños para el cine, tal y como se ha comentado con anterioridad. Además de los mencionados, realizó los diseños de The Tourist, nunca realizada, y para la segunda parte de Polstergeist. También diseña joyas, bolsos o relojes para la marca Swatch. 

En 1988 realiza la impresionante Anima Mia, aunque no tiene la fuerza de las obras de sus inicios.


Anima Mia, 1988

Trompetas de Fericó

Laobra "Trompetas de Jericó" parece tener conexiones con la canción del mismo título, por Bruce Dickinson, cuya letra dice: Este es el laberinto de la vida /Este es el laberinto de la muerte /Esta es la matriz de la eternidad El demonio nunca duerme El demonio nunca miente / Él late mi corazón y no deja eco. Esta canción fuer elegida para la banda sonora de la película de Ronny Yu 'La novia de Chucky' (1998).

Existe un museo dedicado a H. R. Giger en la ciudad de Gruyères, en el cantón de Friburgo, Suiza, abierto en 1998, con muchas de sus obras así como su colección privada de arte con obras de Salvador Dalí, del movimientodadaísmo y Ernst Fuchs, entre otras. Se hizo cargo de la dirección del museo su esposa, Carmen María Scheifele Giger.

Uno de los proyectos más ambiciosos del último Giger fue supervisar la creación de los Giger Bar, pubs donde recrea el mundo de sus pesadillas.

Croquis del Giger Bar en Château St. Germain, Gruyères, Suiza, 2002

Giger Bar

En diciembre de 2004, Giger recibió el prestigioso premio, La Medaille de la Ville de Paris, en el Ayuntamiento de París. 

Fue invitado al Salón de la Fama de la Ciencia Ficción en 2013. Este salón de la ciencia ficción fue fundado en 1996 por la Sociedad de Ciencia Ficción y Fantasía de Kansas y cada año se rinde honores a cuatro personas por su excelencia y su contribución en el campo de la ciencia ficción, dos de ellas vivas y las otras dos a título póstumo. 


Su trabajo ha sido expuesto en todo el mundo, incluyendo retrospectivas recientes en Hamburgo, Alemania, Moscú y Estambul.

"Machine". Versión en escultura de su famosa pintura Birthmachine. Museo Giger HR.


Además de hacer arte y esculturas increíbles, Giger también incursionó en el cine con el director suizo Fredi M. Murer y se produjo una serie de cortometrajes basados ​​en la obra de Giger incluyendo HEIMKILLER AND HIGH  (1968) SWISS MADE 2069 (1969) y el ya mencionado cortometraje SECOND CELEBRATION OFTHE FOUR (1976)


Versión de isla de los muertos de Böcklin (1880-1883) realizada en 1977.
Hay una versión anterior de 1975



Para saber más